Что сделать, для того, чтобы вдохнуть жизнь в ваш трек?
Вы помните то чувство, когда вы слышите действительно хорошо сделанный электронный трек? Кажется, что он пышет энергией, каждый его элемент органично вписывается в общую структуру и соотносится с другим, создавая впечатление, что это единый живой дышащий и развивающийся организм.
Но когда вы начинаете делать свой трек, основанный на лупах или семплах и сетке, то становится достаточно непросто разобраться, как достичь в своём произведении подобного блеска и вдохнуть в него по-настоящему живую энергию. На первый взгляд кажется, что нужно всего лишь переходить от одной луп-секции к другой, но когда вы просто выстраиваете в секвенсоре синтезаторные и ударные партии, то обычно не получаете то чувство энергичности, выразительности и драматизма, на которое рассчитывали. К счастью, существует много трюков, уловок и приёмов для того, чтобы поддерживать интерес слушателя к электронной музыке, основанной на повторяющихся элементах, чтобы внести разнообразие и украсить лупы, на которых строится ваша музыка и получить действительно живое, дышащее и сильное звучание. Любой из этих советов сам по себе прост, но комбинируя эти приемы, и используя их в связке друг с другом, вы будете заканчивать треки с чувством абсолютно новой динамики. Кстати, эти советы являются в некотором смысле примерами 10 принципов, которые должен знать каждый продюсер, чтобы достичь профессионального звучания.
1. Несинхронизированный дилей и ревер
Попробуйте отстроить ваши дилеи от общего темпа и поэкспериментируйте с более длинными предварительными задержками ревербераций. Программирование пространственных эффектов с очень тонкими расхождениями в темпе поможет груву зазвучать свободнее и человечнее.
2. Используйте перкуссионные лупы, чтобы оживить главный бит
Классический трюк, но отлично работает. Перкуссионные лупы с лёгким органичным шаффлом, спрятанные за вашим основным битом, могут преобразовать до неузнаваемости звучание сильно квантизированной партии. Я также считаю, что пробуя много разных перкуссионных лупов, (если нужно, подгоняя их под основной паттерн), можно получить огромное количество новых идей для развития более живой и оригинальной ритм секции, чем та, что уже есть.
3. Семплируйте грувы и паттерны своих любимых треков
Берите свои любимые барабанные лупы и используйте их как основу для ваших собственных паттернов. Вы можете делать это с помощью секвенсора, например в Cubase есть функция квантизирования грува, или же, вы можете совместить MIDI (или аудио) с переходными изменениями звуковой волны на соседних дорожках, и прописать свою собственную информацию о громкости каждого звука, если это необходимо. Если вы совсем новичок, то определение переходных изменений потребует практики (особенно с инструментами с медленной атакой, как у шейкеров), но если вы сделаете это несколько раз, и попереставляете семплы туда-сюда, то научитесь очень быстро.
4. Программируйте семпловую часть так, как будто вы играете по-настоящему
У настоящих исполнителей и физических (а не виртуальных) инструментов есть ограничения, о которых очень полезно помнить, иначе вы не получите реалистичной картины. Вы не добьетесь нужной плотности, если будете игнорировать эти правила. Например, у барабанщика всего две руки и две ноги, и начиная новую фразу с крэша, он не сможет одновременно ударить в хет или том. Работайте над такими мелочами, которые играют большую роль в естественности музыкального потока, даже в жанрах, в которых реализм не имеет большого значения.
5. Используйте случайные семплы
В вашем семплере вы можете выставить пул семплов, среди которых будет выбраться случайно какой-нибудь, при нажатии одной и той же клавиши. Это решит проблему того, что каждый удар рабочего барабана или хета совершенно одинаковый. Даже маленькая разница (почти незаметная, если не прислушиваться) между семплами может дать классный результат при прослушивании, особенно если партия динамическая, или же это барабанная дробь.
6. Держитесь ближе к реальному звучанию. Не программируйте одинаковые секции, делайте вариации
Даже если в электронной музыке перкуссия почти всегда семплирована, это не значит, что вам нужно использовать один и тот же луп на протяжении всего трека. Не надо записывать одно — двухтактный кусок и повторять его весь трек. Даже если вы хотите, чтобы весь трек играл один и тот же паттерн, то попробуйте примешать к нему некоторые его вариации. Каждая вариация создаст легкую разницу в динамике и тайминге, и поможет создать более живое ощущение, как от настоящих барабанов с легкими изменениями в динамике.
7. Заставьте взаимодействовать ударные и перкуссию
Глушение – это обычный прием в программировании реалистичных перкуссионных частей. Например, открытый хет глушится перед тем, как начинает звучать семпл закрытого хета. Так или иначе, вы можете использовать эту фишку и для ненатуральных электронных битов. Вам нужно использовать сайдчейн компрессию для того, чтобы склеить элементы друг с другом. Чем больше элементы партии взаимодействуют, тем больше живо и естественно слушается ваш трек.
8. Создавайте мелодии используя контрапункты
Послушайте ваши любимые записи, в любом стиле. Вы можете удивиться, насколько просты некоторые партии. Обычно, магия заключается во взаимодействии между частями и инструментами. Некоторые разные части, взаимодействуя, создают целые новые музыкальные фразы. Это и есть контрапункты. Старайтесь делать партии одного инструмента простыми, и вместо того, чтобы перегружать одну партию, создавайте сложные взаимодействия между отдельными инструментами. Это звучит более привлекательно и… конечно живо.
9. Синкопы. Раскачивайте ваш бит и бас
Можно расценивать синкопирование, как контрапункты для ударных и перкуссии. Всегда думайте о взаимодействии между ритмическими элементами. В танцевальной музыке вдвойне важен интересный и цепляющий грув. В 4/4 клубной музыки весь интерес обычно создается вокруг вариаций разных частей вокруг тяжелого монотонного бита. Чтобы добиться жизни и прыгучести вашего танцевального бита, синкопируйте перкуссию в контрасте основному биту. Располагайте удары вне бита, чуть раньше или чуть позже, чем удар главной линии (смотри квантизацию грува). Это главный секрет в задании ритма во всей электронной танцевальной музыке. Помещение отдельных ударов за сеткой и перед сеткой. Это придает вкус и ощущение движения и даже опасности.
10. Играйте живьем поверх семплированной части
Этот трюк используют композиторы в бюджетных фильмах. Они используют библиотеки семплов, и нанимают сессионного музыканта, чтобы сыграть главную партию поверх семплов. Это хороший ход, чтобы слушатель чувствовал эффект настоящего представления. Конечно, мы можем применить этот метод и для программирования синтезаторных и электронных частей тоже, например, играя партию на клавиатуре или контролируя вручную фильтрацию, это очень сильно может оживить жесткую синтезаторную партию.
11. Дразните слушателя, чтобы вызвать чувство ожидания
Постройте структуру аранжировки так, чтобы она была похожа на то, как будто вы рассказываете захватывающую историю. Начните развивать трек так, чтобы привлечь внимание слушателя, но не увлекайтесь сильно, чтобы это не мешало естественному ходу мелодии, и не используйте все цепляющие элементы в начале трека, помните, что у вас есть еще и остальная часть. Постепенное открытие фильтров на синтезаторах в течение 4, 8 или 16 тактов – это прекрасное начало новой секции. Иногда я думаю о моих хуках, эффектах и действительно впечатляющих частях трека и стараюсь мудро распределить их, при том, используя их только в тех точках, в которых я хочу произвести самое сильное впечатление на слушателя.
12. Изучайте психоакустический эффект разных частотных диапазонов
Интересно взаимодействие между уровнем различных ощущений от трека в определенные моменты и тем, какие и сколько частотных диапазонов заполнены в данный момент. Заметьте, что происходит на танцполе, когда барабаны и бас затихают, и остается только главная тема: люди перестают танцевать и поднимают свои руки вверх. Они знают, что это брейкдаун. И напротив, если вы оставите только бас и ударные, то люди сосредоточатся на танце. Составляйте свои аранжировки, подчеркивая и убирая разные части спектра.
13. Мастер громкость/тихая динамика
Нет никакой зависимости громкости воспроизведения элемента в миксе от уровня громкости, на котором был записан элемент. Этот простой аспект записи и микширования открывает широкие горизонты звукового дизайна для вашего трека. Например, вы можете записать, как кто-то громко, срывая голос, выкрикивает припев, и поместить этот элемент довольно глубоко в миксе. Это будет звучать по-прежнему кричаще, но вы тем самым можете создать дополнительную глубину и смысл своего произведения. Так же, если вы запишите шепот, и поместите его реально громко в миксе, то у слушателя возникнет ощущение некой интимности между ними музыкантом. Конечно, не только вокал можно микшировать используя эту технику. Так же применяя её к почти любому эффекту и инструменту можно почти гарантировать, наращивание напряжения. Послушайте Massive Attack, чтобы разобрать прекрасные примеры этого принципа.
14. Слушайте, слушайте и еще раз, слушайте: скрупулёзно анализируйте и разбирайте ваши любимые записи
К этому пункту я возвращаюсь снова и снова. Абсолютно ничего не может заменить опыт анализа треков, так что убедитесь, что проанализировали все свои любимые треки. Слушайте то, что делают другие продюсеры и пытайтесь разобраться, почему это работает (или почему это не сработало так, как могло бы) Чем больше вы слушаете, тем больше вы накапливаете важных деталей для работы. Вы можете достаточно глубоко заняться анализом: загрузите mp3 в свой секвенсор, нарежьте, или промаркируйте секции, замечайте, какие элементы появились в каждой секции, пока вы, наконец, не поймете, как выглядело окно аранжировки продюсера. Если вы действительно заморочитесь с этим так, как я, то у вас все части будут помечены цветами и даже помещены на отдельные каналы. С помощью такого анализа, я разобрал множество композиций на множество частей, чтобы понять, что же делает их единым целым. На деле, это примерно то же самое, как разбирать часы, чтобы посмотреть, что же там внутри, и как работают все эти шестеренки.
15. Слушайте музыку не только в том жанре, в котором вы работаете
Смотрите шире, чем те жанры, которые вы выбрали для своего вдохновения. Лучшие продюсеры не знают что такое плохой и хороший жанр, они понимают только что такое плохая и хорошая музыка. Например, если вы пишете песни, а не танцевальные треки, изучите структуры электронной музыки, чтобы получить новое вдохновение. И наоборот, если вы делаете музыку, привязанную к сетке, то послушайте рок музыку, поп или другую живую музыку, чтобы понять, что в ней вызывает восторг у людей. Например, во время прослушивания рока и металла, где часто используют внезапные остановки и зависания, я заметил, что можно перенести множество приемов в электронную музыку, чтобы заинтересовать слушателя. Держите слушателей на пике интереса, и они будут продолжать оставаться с вами. Многому можно научиться из классической музыки. Хотя, крайне сложно адаптировать вещи, которым можно научиться, слушая классическую музыку для наших целей, но вы можете использовать семплы в своей работе, и даже если не будете делать этого, то все равно ширина ваших музыкальных взглядов, идей, представлений о текстурах и комбинациях инструментов будет расти. Я вспоминаю интервью Aphex Twin, который говорил, что при создании некоторых частей Evil Bass вдохновлялся классическими вещами 20 века композитора Gyorgy Ligeti.
16. Если часть не работает, не агонизируй, а просто выкинь ее и продолжай работать
Легче сказать, чем сделать. Дайте своему вдохновению течь свободно, и не бойтесь вырезать плохие части, оставляя только самое сладкое. Будьте безжалостным, двигаясь быстро, чтобы не потерять свежесть в своей работе. Это сложно осуществить, если вы пытаетесь сделать все чересчур идеально. Убедитесь, что каждый звук имеет вес в композиции. Помните принцип Less Is More.
17. Выставьте идеальный темп (или темпы)
Многие жанры электронной музыки работают лучше всего в определенных диапазонах темпа: House между 125-128 bpm, Dubstep около 140 bpm, Drum & Bass на 170 or 180 bpm. Если вы делаете музыку в танцевальных жанрах, то убедитесь, что DJ сможет свести ваш трек с похожими по жанру треками. Для этого соблюдайте типичный для жанра темп. С другой стороны, другие жанры менее чувствительны к темпу, и вам просто нужно найти темп, комфортный для грува и инструментов. Кода у вас уже будет базовая аранжировка, снизьте или увеличьте темп на пару ударов и послушайте пару минут. Ваш трек стал звучать лучше? (даже если семплы выбились из ритма, это можно поправить потом.) Еще одна вещь о темпе, это то, что очень захватывающе слушается, изменения темпа в произведении: например если он возрастает в начале трека (что-то вроде имитации того, как живой барабанщик начинает играть быстрее в припевах), или меняется все время как у DJ Fresh в Louder.
18. Начинайте аранжировать трек с полным пониманием того, какой он будет в конце
Обычно, самые важные части трека – это вступление и припев (в танцевальной и другой электронной музыке брейкдаун/главный рифф). Вступление задает настроение и направление трека, а припев/главный дроп, действительно заставляет слушателя проникнуться идеей трека на уровне ума и сердца. Если у вас есть понимание того, каким будут эти части, то можете смело начинать работать над самой многодельной частью трека – разворачиванием главного риффа. От главного риффа вы можете двигаться назад, зная, куда вы должны прийти, и так вы сможете комфортно расставить элементы во вступительной секции. Я понял, что если я начинаю делать трек со вступления, то начинаю использовать слишком много элементов, гораздо больше, чем нужно, беспокоясь о том, что всё звучит недостаточно волнительно: это означает, что я, чтобы развивать трек, перегружаю партии элементами и в итоге, в кульминации появляется грязь. Таким образом, начиная с финальной или главной части, вы можете быть уверены, что какие бы прореженные не были другие секции, это будет нормально звучать, потому что у вас уже есть та часть, к которой это все подводит. Многие проблемы, которые возникают при микшировании, вообще не являются проблемами микширования, а являются проблемами взаимодействия пространства при неправильной аранжировке. Послушайте ваши любимые клубные треки, с пониманием того, что я описал выше. Вы удивитесь, как мало, с музыкальной точки зрения, происходит большую часть времени. Это называется искусством создавать ожидания. Еще одно преимущество этого метода – это то, что он заставляет вас работать с меньшим количеством партий, и вам нужно делать их интереснее, живее, и без добавления еще одного инструмента делать вещи более волнующими.
19. Внесите новый поворот в аккордовые прогрессии
Попробуйте наслоить новые оригинальные аккорды под партию, которая уже повторялась несколько раз. Эффект – это создание напряжения и выставление мелодии в новом контексте, и вместе с тем увеличение интереса слушателя. Держите аудиторию в напряжении, не кормите их одними и теми же партиями и прогрессиями аккордов всё время. Пробуйте менять аккорды и риффы хотя бы вполсилы.
20. Сочетайте и смешивайте звучания: используйте диссонанс и шум
После нескольких повторений даже самый прилипчивый припев может надоесть. Когда вы достигните этой точки, попробуйте уйти как можно дальше от привычной гармонии и мелодии песни в диссонансную часть. Это создаст чувство нестабильности и опасности, а следом вызовет чувство что «стабильность восстановлена», когда припев или хук возвратятся.
21. Сильные мелодии всегда на микроуровне нагнетают и отпускают напряжение
Еще один аспект удовлетворения слушателя: наблюдайте за принципами напряжения и расслабления, когда работаете над мелодиями, потому что эти две противоположности приносят силу в мелодию. Мелодии, во время восходящего движения обычно наращивают напряжение, в то время как чувство расслабления возникает, когда мелодия «спускается вниз» с наивысшей точки.
22. Используйте творчески компрессию и динамическую обработку
Подчеркните динамику грува компрессией. Ритмическая компрессия на барабанный луп выглядит так: 1. Установите порог и уровень компрессии так, чтобы сигнал был сильно сжат по уровню на индикаторе gain reduction. 2. Эффект прокачки и дыхания зависит от атаки и релиза. Установите самую быструю атаку и самый медленный релиз. Теперь крутите релиз до тех пор, пока он не будет самым быстрым, и следите за изменениями. Вы услышите ритмический эффект компрессии на быстрой настройке. 3. Теперь, с быстрым релизом, крутите атаку до медленных показателей, и следите, как меняется звук. Отношения этих двух настроек дают огромную вариацию звучания, и вы должны найти позиции, когда включение и выключение компрессора происходит в одном тайминге с ритмом трека. 4. Когда найдете звучание, которое вам нравится, используйте выходную громкость компрессора, чтобы компенсировать потерю громкости.
23. Сделайте ослепительный брейкдаун
Самые удовлетворяющие слух брейкдауны, оставляют в треке только самую суть. Все, что может касаться этого элемента, связано с тем, как захватить внимание слушателя: вы заигрываете с ним, убирая кик, бас, хеты, перкуссию и это заставляет слушателей или танцующих ждать полноценного возвращения грува. Также используйте тишину, чтобы дать перевести дыхание. Например, попробуйте перед возвращением оставить только рабочий барабан на сильную долю до того момента, как все остальное вернется назад. Оставьте также реверберацию, так вы получите сладкую частичку звучания комнаты, зависшего в пространстве. С технической точки зрения, такая тишина позволит клубным компрессорам и лимиттерам восстановиться, а динамикам «отдохнуть», что создаст сильный эффект, когда компрессоры включатся снова.
24. Изменение ключа
Изменение ключа, это не только хореографический трюк для бойзбендов, когда исполнители встают со своих табуреток во время последнего припева баллады. Почему это работает? Потому что это может поднять интерес к песне как раз, когда две трети уже закончены, и слушатель не хочет слышать одинаковые риффы и паттерны снова и снова. Обычно, изменение ключа происходит на тон выше. Например, если трек в ключе A, то поднимите гармонию в ключ B во время кульминации.
25. Сила вокала
Никогда не недооценивайте простую силу вокала, или даже, вокальных семплов. Это оживит, разрядит и очеловечит электронный трек. Даже короткий вокальный семпл может удивительно сильно очеловечить трек.
26. Используйте необычные инструменты
Если вам наскучили одни и те же звуки в ваших песнях, попробуйте что-то более необычное или даже странное. Конечно, вы можете даже засемплировать что-то не являющееся инструментом, что-то издающее звуки, изменить его высоту (если нужно) в семплере и использовать для уникальных звуков в стиле «что это за классный звук?».
27. Используйте пэдовые звуки
Педовые звуки обычно мягкие и продолжительные, и не забирают внимание на себя, но создают настроение и глубину аранжировки. Если песня звучит плоско, и ей не хватает глубины, и вы не поймете почему, то добавление пэдовых звуков может быть хорошим решением. Чтобы использовать пэды эффективно, вы должны иметь на вооружении принцип, что делая отдельный звук хуже, эквализируя его или пропуская через заметную обработку, вы иногда делаете его лучше в контексте всего микса. Это не значит, что пэды должны быть скучными: вы можете использовать пульсирующие эффекты, привязанные к темпу, чтобы показать движение и поддержать интерес к треку без отвлечения внимания от основной темы.
28. Меняйте регистр синтезаторов и пэдов от части к части, чтобы создать движение
Относящийся к ключу концепт изменения. Регистр – это то, как высоко играется партия. Например, если играть на клавиатуре пианино, то партия будет играться правее (если она выше). Если каждая часть на протяжении всего трека исполняется в одном регистре, это может быть скучно. Попробуйте поиграть с регистрами, особенно в частях развития трека. Струнные и синтезаторы могут зазвучать более живо, если вы мудро используете регистры. Например, струнные в бэк партии припева могут быть низко и к концу станут выше. Эффект поднятия регистра в кульминационный момент – это очень сильно.
29. Используйте контр-мелодии для пэдов и синтезаторов
Еще один путь, чтобы дать струнным и пэдам больше реализма, это создать для них контр-мелодии, которые работают сами по себе в плане мелодии, ритма и гармонии, а не просто повторяют главную прогрессию аккордов.
30. Будьте бдительны к ожиданиям слушателя: когда побаловать его, а когда бросить вызов
Когда аранжируете трек, то что-то лучше сделать очевидным, и включить вместе с большим припевом в конце – это то, что люди ожидают услышать. И в противовес этому, когда что-то не является очевидным, и идет вразрез ожиданий, это может быть эффективным шагом. Правила пишутся, чтобы их нарушать. Хорошо иметь хорошие и проверенные трюки в аранжировке, но иногда отличные клубные треки выбрасывают все правила в окно, так что экспериментируйте!
31. Повторите ваш хук на разных инструментах
Если вы создали хороший рифф или удачную часть, то их использование как минимум два или три раза создаст чувство их непрерывности. Так или иначе, если вы не хотите, чтобы трек был скучным, то повторение должно уравновешиваться новыми идеями. Когда вы слушаете свою аранжировку, то спрашивайте себя, достаточно ли часто происходит что-то новое, чтобы поддерживать интерес к треку? А так же, лучше бы самым хорошим частям трека повторяться достаточно часто, чтобы отпечататься в сознании слушателя. Используйте хук больше, чем одним способом. Классическая техника аранжировки, когда главная вокальная тема играется и инструментами тоже, и это одинаково хорошо работает в электронной музыке, например переключение одного риффа на другой синтезатор в новой секции: это может быть так же эффективно, как если бы вы играли новый мотив.
32. Записывайте выступления, ищите случайности и неожиданности
Все случайное должно поощряться, по крайней мере, сначала. Когда вы работаете с реальными людьми, вы не можете контролировать все на свете, если хотите, чтобы вещи доводились до конца, попробуйте применить это к вашему студийному оборудованию. Попробуйте воспользоваться неожиданностями. 75% того, что получится, может быть бесполезно, однако, оставшаяся четверть может вдохновить вас. Попробуйте выставить ваш трек синтезатора, включая автоматизацию, эффекты, надстройки звука в то время, пока он играет задом наперед. Это как свободная джем сессия. Посумасшествуйте с таким подходом, сделайте спонтанное выступление с некоторыми экстремальными настройками, которые бы никогда не использовали в «серьезной» сессии. Потом переверните файл снова задом наперед, и послушайте, что получилось. Может быть, там будут новые идеи, о которых вы никогда бы не подумали ранее? И даже, если 80% таких экспериментов можно будет смело выкинуть в корзину, остальные 20% могут стоить всего затраченного времени.
33. Учитесь типичным формам аранжировки танцевальной музыки и наслаиванию структур
…для того чтобы нарушать их и превосходить ожидания, и делать треки как органичные структуры сами по себе. Изучайте правила и то, как они работают, чтобы эффективно их нарушать. Даже самая органичная танцевальная музыка состоит из блоков, так что мыслите 8-, 16- и 32-тактными секциями, для начала. На чем многие продюсеры наворачиваются, это то, что они делают эти секции слишком жесткими. Например, они используют в одной 16-тактовой секции одни инструменты, а в следующей секции меняют абсолютно всё. Чтобы сделать музыку, основанную на блоках больше гипнотической, чем скучной, вы должны наслаивать звуки, и потом постепенно останавливать один слой за другим, или, как в случае с брейкдауном, глушить почти все сразу, оставляя один единственный слой, содержащий хук. Отчасти, это работает, потому что это позволяет балансировать между повторяющимся басом с гипнотическими барабанами и чувством того, что трек развивается и меняется.
34. Вступления, дропы и реверсивные эффекты для поддержания чувства ожидания.
Первые три четверти трека обычно состоят из билд-апов (с прерывающими их брейками). Все танцевальные треки построены на чувстве предвкушения того, что же может быть дальше. Вы можете усилить чувство ожидания с помощью восходящих или нисходящих звуков, реверсивных тарелок, автоматических задержек, реверберации, билдов, дропов, крэшей, вступлений для билд-апов, или, используя классический подход с длинным белым шумом, или используя автоматизированные свипы фильтра (обычно low-pass или notch), чтобы создать звуковой эффект «декомпрессии». Вы можете так же использовать одну ноту синтезатора и автоматизировать высоту звука выше или ниже, чтобы принести немного «несовершенства» в звук, чтобы оттенить прекрасно звучащие эффекты. Реверсные тарелки и эффекты могут создать атмосферу ожидания как ничто другое. Это классический ход для кульминации и соскальзывания в длинный дроп (посмотрите любой голливудский трейлер к фильму или progressive house/trance трек, чтобы убедиться). Так или иначе, там больше реверсивных звуков, чем обычных и очевидных билд-ап кульминаций. Если вы делаете электронную музыку, попробуйте использовать перевернутые звуки вместе с главными битами и грувами своей композиции. Например, когда вы помещаете перевернутый звук так, что он заканчивается тогда, когда начинается звук рабочего барабана, то это дает мгновенный эффект «скользящего» грува. Каким-то образом, перевернутые звуки, размещенные в стандартном груве создают эффект, похожий на легкое тасование относительно сетки, однако главное преимущество, что все удары по-прежнему остаются на сетке.
35. Перемиксовывайте свои стэмы
При микшировании, хороший тон состоит в том, чтобы объединять инструменты в группы для дополнительного процессинга и контроля. Хороший трюк – это сбросить эти группы в отдельный файл и вернуть в секвенсор в этом виде, чтобы поэкспериментировать с дополнительными фильтрами, эффектами и редактировать большие куски сразу. Фильтрация сразу многих элементов трека (таких, как ударные или синтезаторы) это отличный способ поднять интерес и чувство ожидания. Убирая низ перед тем, как вступит новая секция – обычно хорошо работает, как и открытие low-pass на протяжении брейкдауна, чтобы внести больше восхищения в дроп. Конечно, вы можете делать, что хотите со своими стэмами: резать, менять, поднимать питч, растягивать, реверсировать целые секции. Делать это со стэмом, гораздо проще, чем на каждой дорожке в отдельности, а это значит, вы можете принимать решения быстро и интуитивно.
36. Последние штрихи и детали
Когда ваш трек почти закончен, пройдитесь по нему чуть-чуть. Попробуйте заглушить синтезаторы, выключить барабаны в конце тактов, для большего эмоционального воздействия и нагнетания обстановки. Вы можете обнаружить, пользу от такой работы – например, секции которые казались разряженными на этапе аранжировки, после микширования, компрессии и процессинга стали загруженными, так что пройдитесь по миксу, случайным образом выключая дорожки и разные части, помня принцип ‘Less Is More’. Вы можете приглушить такие части автоматизацией, или просто вырезать их в окне MIDI. Это отличный повод для экспериментов над треком, чтобы вдохнуть новое движение, энергию и детали, и привнести почву для возгласов, типа «как же они это сделали?».
37. Используйте заполнения и сбивки
4 такта бита подряд 4/4 без вариаций – это отстой! Чтобы поддерживать интерес и чувство развития в относительно статичном и гипнотическом треке, используйте сбивки ударных, синтезаторные акценты или другие эффекты как минимум раз в 4 такта.
38. Чтобы сделать отличный бит, используйте Velocity и модуляцию для динамики
Держите в уме то, что сила, с которой бьёт настоящий барабанщик, никогда не бывает одинаковой. Всегда есть разница от удара к удару, но так же могут быть и более предсказуемые вариации. В поп и рок барабанах, первый удар такта обычно подчеркивают, в то время как в регги подчеркивают третий удар, как правило. Также, есть физические ограничения силы удара, например в быстрых частях, удары обычно тише, потому что нельзя поднять палочку высоко над барабаном, или далеко оттянуть педаль бочки. Также, не игнорируйте динамику песни. В танцевальной музыке обычно компрессируют так, что динамические изменения осуществляются почти только с помощью вырезания частей ритм секции. Настоящий барабанщик использует крещендо, например, на подходе к припеву. Для лучшего эффекта, используйте комбинацию тяжелой компрессии и более динамических эффектов и паттернов.
39. На самом деле проигрывайте ритмические партии, вместо того, чтобы всегда программировать их
Всегда держите в уме, что сложнее простроить ритмические вариации, чем их прочувствовать. Лучший способ прочувствовать их, это сыграть партии на клавиатуре или другом контройлере в реальном времени. Начните с двух важнейших частей – кик и рабочий барабан вместе. Играть хорошо на барабанах – требует некоторой сноровки, но обычно нет ничего сложного в том, чтобы сыграть простые вещи на MIDI клавиатуре, а потом подправить их в секвенсоре, чтобы сохранить живое чувство. Красота секвенсора в том, что вы скорректируете и исправите ошибки потом. Если вы не уверены, с каким чувством должны быть барабаны, и не можете воспроизвести его под клик то, скорее всего, вам лучше начать писать трек не с них. Если песня построена вокруг баса или пианино, то вам лучше записать их сначала, а потом уже подбирать барабаны. Когда есть возможность слышать ключевые части, тогда сразу становится понятно, что в барабанах сработает, а что – нет. Если вам нужно редактировать паттерны, которые вы вбили, то игнорируйте сетку или подобные ей функции. С их помощью очень легко не только исправить ошибки, но и убить легкие вариации тайминга, которые ответственны за «чувство». Однако это может исправить действительно неряшливый ритм, а вы потом квантизируете все вариации. Если вы все же квантизируете, то оставьте большой запас квантизации, чтобы только слишком запаздывающие или ранние удары откорректировались. Держите в голове мысль, что большинство барабанщиков, делая грув, зависят от небольших изменениях в тайминге, несовпадающих с теоритически ровной сеткой. Иногда это очевидно, например, при свинге, когда триплет звучит, как четвертные ноты, но это не всегда так четко. Например, играя первый и третий удар немного вперед бита, можно добавить актуальности ритму. В других жанрах, например в блюзе, барабанщики наоборот иногда запаздывают, делая офф-бит и задерживая удары.
40. Эффект специальной реверберации: используйте экономно и со вкусом
Держите в голове мысль, что влияние специальных эффектов граничит с фамильярностью и может быть контрпродуктивным, если держать их в миксе слишком долго: лучше использовать их только в ключевых моментах в определенных секциях. Также, лучше придавать этим эффектам динамические изменения, чем держать их в статичном состоянии, как обычные задержки и реверберацию. Они не должны быть просто выставлены на оптимальный уровень и просто оставлены – они могут быть так же «отыграны», как и любые другие самостоятельные инструменты. Экспериментируйте с предварительной задержкой, хвостом ревера, фидбеком, чтобы добавить вариативности в конкретные части трека. Некоторые люди, такие как Karlheinz Stockhausen и Pierre Schaeffer делали это в 50-х (всегда стоит проверить, знаете ли вы о Musique Concrete), когда у них не было такого множества инструментов, с которыми можно играть.
41. Фальшивые микрофоны комнаты
Синтезаторы и драм машины обычно используют семплы, записанные изолированно. Запись живых барабанов – другое дело, в ней всегда используются оверхеды и микрофоны комнаты (обычно вместе с микрофонами на каждом барабане) чтобы запечатлеть звук всей установки и комнаты. Запрограммированные барабаны могут звучать стерильно, и не склеено, потому что им не хватает элемента звучания комнаты. Вы можете сделать имитацию комнаты с помощью канала реверберации. Смикшируйте этот канал под вашим лупом или главными барабанами для большего звука комнаты – это не избавит от ощущения мощных электронных барабанов, просто предаст немного живости и склеит трек.
42. Имейте четкую стратегию реверберации
Когда у вас есть правильная комбинация реверов в миксе, это придаст полный спектр силы, натуральной глубины и фокуса. Такой эффект обычно достигается с помощью совместного использования небольшого количества реверберации и задержек, также важно рассматривать целесообразность каждого эффекта в общей картине, и понимания, что использования ревера даст эффект живости и атмосферы. Экспериментируйте с разными стилями и глубинами реверберации до тех пор, пока не найдете что-то что действительно правильно звучит. Также посмотрите The Ultimate Guide to Reverb в книжном магазине.
43. Убедитесь, что у вас есть великолепная музыкальная основа, прежде чем накладывать эффекты и звуковой дизайн
Не фокусируйтесь вначале слишком много на том, как готовая запись будет звучать в уже спродюсированном варианте. У многих людей в голове уже есть урезанная версия финального звучания, и они начинают бороться со звуком, прежде чем убедятся, что песня работает в музыкальном плане: позвольте микшированию, дизайну и эффектам прийти попозже. Когда вы знаете, что музыкально все работает, тогда вы можете одеть все в стильную одежду. Могут помочь заготовки треков в вашей DAW, с сетом проверенных синтезаторов и ударных, готовых к использованию. Так вы не будете отвлекаться на поиски звуков, но сможете быть уверенным, что мелодии и элементы звучат хорошо, прежде чем приступить к обработке. Так вы можете быстро протестировать ваши идеи, грувы, прогрессии аккордов, и постепенно будете менять звучание на более подходящие версии инструментов.
44. Пробуйте разные подходы в написании аранжировок
Если вы работаете над музыкой уже долго, то это может привести к застою и потере креативности. Изменение метода работы – это то, что поможет преодолеть такой период и посмотреть на работу под другим углом. Такой перерыв в монотонной работе обычно дает результаты в виде развития новых техник, трюков и взрывах вдохновения. Вот некоторые идеи: Метод Лупов. В 8-16 тактах, зацикленных в вашей DAW, напишите мелодию, или барабанный паттерн. Затем, добавляйте по одному инструменту к главной теме, каждый раз, как проигрывается луп. Как только вы получите что-то похожее на кульминацию, разложите то, что получилось по всей длине, и начинайте писать вариации и заглушать треки, создавая новые аранжировки. Метод Семплов. Наберите небольшое количество семплов, неважно, откуда они будут, и напишите трек исключительно из этих семплов. Вы обнаружите, что это освежит ваш подход, и к тому же, это хорошее испытание для вас, потому что у вас не будет бесконечных вариантов для использования. Метод Пианино. Попробуйте написать клубный трек, используя только пианино. Только тогда, когда он будет хорошо звучать даже на пианино, переходите к синтам и ударным. Обычно очень заманчиво написать посредственную музыку, а потом часами накручивать звук. Попробуйте написать музыку совсем без эффектов, и результат будет стоить усилий. Метод Живого Джема. Начните с парочки басовых и ударных лупов и секвенций которые достаточно долгие, чтобы играть минуту-две без зацикливания. Найдите синтезатор или инструмент, который вам нравится, поставьте на запись и просто играйте спонтанно то, что придет в голову под мелодию, которая вам нравится. После записи, послушайте и выделите куски, в которых видите потенциал и в следующий заход развивайте эти музыкальные темы. Откажитесь от дополнительного процессинга первое время, концентрируйтесь на импровизации больше, чем на миксе: это поможет музыке литься, чтобы потом подчерпнуть новые идеи из этого метода. «Писательский» метод. Большинство профессиональных писателей стремятся написать определенное количество слов в день. Вы можете делать нечто подобное со своей музыкой. Это тяжелее, чем кажется, но если вы свыкнетесь с этой привычкой и накачаете мускул самодисциплины, то это не повлияет на вашу креативность. Метод Погружения: Двадцать песен в день. Проверьте, сколько песен вы сможете закончить за один день. Это высвободит ваши соки креативности, и заставит вас распрощаться с перфекционизмом для того, чтобы доводить до кона воплощение хороших идей.
45. Пять частей или меньше за один раз: Less Is More
Вы слышали множество примеров хороших аранжировок в любом стиле, и вы знаете, что там почти никогда не бывает нескончаемого множества частей. Пять элементов за один раз – включая ударные, как один элемент – это правило, которое проходит сквозь стилистические границы. Наслоение более чем пяти частей может быть для вас потерей времени. Немногие слушатели могут уследить за таким количеством информации. Делайте, как хотите, но я вас предупредил…
46. Наслаивайте и дублируйте партии для поддержания интереса, выразительного характера и панча
Пять частей – не означает всего пять инструментов. В лидирующих партиях и ударных для придания дополнительного панча, характера и вариаций могут быть аккуратно подобраны различные элементы, которые работают в своем частотном диапазоне, каждый из которых способствует восприятию композиции как единого целого. Подобно тому, как флейта может разбавить звук гобоя, вы можете подмешивать легкую синусоидальную волну к тяжелой квадратной волне баса для придания характера и четкости. Если сделаете все правильно, то эти два слоя станут огромной, агрессивной басовой линией.
47. Быстрые фишки для создания более убедительной оркестровки
Написание простой, но убедительной MIDI оркестровой части это тот случай, когда просто думая логически, вы избавите себя от многих сложностей. Думайте о протяжных инструментах таких, как струнные, как о пэдах, о мелодичных инструментах таких, как кларнеты, флейты или трубы, как о синтезаторных патчах, которые создают настроение и «цвета». Чтобы понять артикуляцию и динамику, подходящую для каждого инструмента лучше всего обратить внимание на саундтреки к фильмам, потому что там обычно присутствуют такие секции и их куда проще снять на слух, чем сложные оркестровки в классической музыке. Не переусердствуйте с масштабом, если вы ищете наиболее убедительного звучания. Может потребоваться некоторое время, прежде чем вы определитесь с размерами вашего оркестра. Может показаться, что больший оркестр – лучше и мощнее, но обычно именно меньшие оркестровые группы могут показать наилучший результат. Исследуйте артикуляции, и не тратьте время, играя одно лишь легато. Есть целый мир артикуляций, доступный этим инструментам: колючие, мерцающие, акцентированные, динамичные, с подтягиванием нот, короткие и со старым добрым сустейном. Попробуйте стаккато, тремоло, крещендо, диминуэндо, портаменто, чтобы использовать широкие возможности этих инструментов. Создавайте глубину: выработайте стратегию для инструментов, не используйте эти семплы просто так, а думайте! Если используете единственную секцию струнных, то скопируйте ее на несколько дорожек и спанорамируйте. Думайте о глубине и подберите соответствующую реверберацию.
48. Ведите внимание слушателя от звука к звуку
Пока вы отдаете вокалу или другим инструментам пространство в миксе, не забывайте, что можете использовать это пространство для подчеркивания и акцентирования с помощью различных украшений, рюшек и эффектов с помощью других инструментов. Помните, что каждую секунду слушатель хочет, чтобы вы дали ему фокальную точку, через которую он будет следить за изменениями в звучании трека. Ваша работа заключается в том, чтобы провести его за ручку и показать самые привлекательные места вашего трека, которые восхитят и вдохновят его.
49. Используйте инверсии аккордов для мгновенного придания глубины и изысканности
Когда вы пишите аранжировки, вместо того, чтобы использовать одни и те же аккорды, двигайте их на клавиатуре и используйте их инверсивные формы. Если вы играете прогрессию (C) (F) (G), то вместо того, чтобы играть аккорды так C E G / F A C / G B D, попробуйте переставить квинту и получится C E G / C F A / B D G. Вас может удивить, как простое изменение формы аккорда изменит его характер и привлечет внимание слушателя. Так же вы можете разнообразить басовую линию, используя вместо тоники, ноту из аккорда.
50. Музыкальная теория не для музыкантов: Узнайте хоть немного музыкальной теории
Даже небольшое количество музыкальной теории способно оказать очень сильное воздействие на возможности аранжировки и ведения голосов в вашем электронном проекте. Теория, это не скучно и не научно, это просто значит, что вы сможете проще анализировать то, что происходит с вашей аранжировкой. Что хорошо в теории, так это то, что вы сможете сделать такие вещи в музыке, до которых голое вдохновение неспособно вас довести. Ваша продуктивность возрастет с вашим пониманием.